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A NOVA FLAGSHIP DA “DIOR” EM MANHATTAN É UMA EXUBERANTE FANTASIA FLORAL ANCORADA PELA ARTE2025-08-08 Inaugurada mesmo a tempo da chegada do diretor criativo Jonathan Anderson e de uma nova era na etiqueta francesa de luxo, a nova flagship de quatro andares da Dior em Midtown Manhattan é uma expressão totalmente imersiva da identidade da marca. Ao percorrer a nova Maison Dior, encontrará moda, claro, mas também obras de arte contemporâneas com qualidade de museu e peças de mobiliário de alto design perfeitamente integradas no ambiente. A loja da Maison Dior em Nova Iorque foi projetada por Peter Marino, um colaborador de longa data que trabalha com a Dior desde 1994. A cada projeto que assume, Marino traz não só a visão arquitetónica, mas também a rigorosa dedicação de um curador à arte. A boutique conta com uma seleção de obras de arte contemporâneas que poderiam facilmente destacar-se numa exposição coletiva numa grande galeria. "É quase como se estivesse a organizar uma exposição sobre flores", disse Marino. É uma abordagem refinada ao retalho, que ele aprimorou ao longo de décadas, unindo a moda e as belas-artes numa atmosfera única e transportadora. A arte está presente em todo o espaço e é uma componente vital, juntamente com roupas femininas e masculinas, artigos de couro, acessórios, joias finas e fragrâncias, com salões privados, provadores de alta costura, um café, uma boutique independente da Maison Dior e o primeiro spa da marca nos EUA (que ocupa todo o último piso). Marino reuniu obras de arte de figuras históricas e contemporâneas, incluindo Robert Mapplethorpe, Charles Jones, Tony Scherman, Nir Hod, Jean-Michel Othoniel, Adam Fuss, Jennifer Steinkamp e Miriam Ellner. “Este canto sudoeste da Madison, na 57th Street, tem uma luz solar avassaladora”, disse Marino quando contactado por telefone no início desta semana. “O tema predominante é o floral e o jardim. Queria retomar o tema do jardim do que fizemos na Avenue Montaigne, em Paris.” As flores e a natureza não são simplesmente temas na Dior — são parte essencial da sua identidade. O jardim da infância de Christian Dior em Granville floresceu numa obsessão vitalícia pela flora, principalmente o lírio-do-vale e a rosa, que se tornaram emblemas da casa. O seu revolucionário “New Look” de 1947 imitava a curva de uma flor a desabrochar, com cinturas marcadas e saias volumosas. Sucessivos realizadores criativos — incluindo Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons e Maria Grazia Chiuri — reinterpretaram esta herança inspirada na natureza à sua maneira, mantendo a Dior enraizada na botânica. Aqui, esse legado é destilado por uma lente contemporânea, muitas vezes a roçar a alta tecnologia. Várias peças foram encomendadas: a instalação vídeo imersiva de Steinkamp é um turbilhão arbóreo arrebatador. "É incrível", disse Marino. "É bonito, explosivo e alegre. É como os jardins fazem as pessoas sentirem-se." A monumental “Flower Painting (2025), em cromado sobre tela, de Hod, brilha com um brilho metálico; e obras de Othoniel e Ellner também brilham com superfícies refletoras e metais preciosos. A obra de Othoniel é um tríptico de flores rosa-desfocadas e exuberantes, espalhadas por painéis prateados numa névoa cintilante e abstrata. No café, um mural personalizado de Karine Laval apresenta uma paisagem exuberante e saturada de cores, com as suas flores silvestres vibrantes e formas suaves a atrair o olhar — até se perceber que se trata de uma fotografia, manipulada digitalmente para algo sobrenatural. Noutros locais, há imagens de destaque de rosas de dois fotógrafos muito diferentes, a trabalhar com quase um século de diferença. Charles Jones, um enigmático jardineiro eduardiano cujo requintado arquivo fotográfico foi descoberto num baú décadas após a sua morte, capturou rosas em 1900 como retratos íntimos, reproduzidos em impressões luminosas de gelatina de prata em tons de dourado e aqui apresentadas em molduras douradas. A “Rosa” (1987), de Robert Mapplethorpe, em contraste, surge em duas interpretações distintas: uma ligeira, equilibrada e romântica; na outra, a flor parece negra, velada de veludo e misteriosa. Juntos, estes pares revelam a dualidade no cerne da prática de Mapplethorpe — ternura e controlo, beleza e provocação. “Tenho a maior coleção privada de Mapplethorpe do mundo”, disse Marino. “Estas duas vieram da minha coleção. Sinceramente, tive pena de me separar delas, mas é difícil encontrá-las.” As fotografias de Charles Jones também provêm do seu arquivo pessoal: "Se for à Fundação de Arte Peter Marino, verá mais de 70 delas na grande parede da escadaria." Outra inclusão pessoal é o “Banco de Ginkgo” (2010), do falecido Claude Lalanne, fundido em alumínio. Marino era amigo próximo dos Les Lalannes, um ávido colecionador das suas obras (tem mais de 40 das suas obras nos jardins da sua propriedade em Hamptons, como documentado no livro de 2017 da Rizzoli, "O Jardim de Peter Marino"), e foi curador de várias exposições sobre a dupla de artistas. O elegante banco de folhas de ginkgo — circular e surreal — é um excelente exemplo da extravagância botânica de Lalanne. Contrasta fortemente com a indumentária mefistofélica de motociclista de couro preto de Marino e sugere as camadas mais suaves e poéticas por detrás da sua famosa aparência robusta. Embora as obras de arte roubem os holofotes, os móveis da loja são igualmente considerados — muitos deles feitos à medida ou em edições limitadas por designers de renome. Marino há muito que obscurece a fronteira entre a arte decorativa e as belas-artes, e aqui esse ethos manifesta-se em cada canto. As peças transportam frequentemente ecos da natureza na forma ou na superfície — algumas amorfas e fluidas, outras tão esculturais e aterradas como pedras. É uma versão ousada e heavy metal da Dior, com materiais como bronze fundido, madeira patinada e pedra polida a ancorar a boutique em peso físico e drama visual. Destaque para a “Cadeira Coral Wave” (1993) de Michelle Oka Doner, fundida em bronze com acabamento em nitrato de prata, com o seu delicado encosto em renda a evocar as formas ramificadas da sua homónima marinha. A mesa de madeira lacada de Roland Mellan, revestida a latão, tem a solidez da escultura minimalista, enquanto as mesas de centro de bronze de Voukenas Petrides — umas arredondadas, outras irregulares — parecem moldadas pela erosão ou pelo tempo. A mesa personalizada de Vincenzo De Cotiis, em vidro de Murano branco e bronze branco fundido, apresenta ondulações com inserções luminosas que parecem acumular-se na sua superfície como gotas de água. Uma consola reluzente de pedra Paloma e ferro com acabamento prateado, da autoria de Laurent Chauvat, parece mais uma formação geológica do que uma peça de mobiliário. Num espaço definido pelo requinte e pela alfaiataria de alta costura, estas formas musculadas trazem textura, tensão e um equilíbrio elementar. É uma estrutura adequada (e glamorosa) para a Dior, cuja linguagem de design sempre se inspirou no orgânico e no ornamental. E com Jonathan Anderson — um apaixonado por arte e design — agora no comando, a arte está pronta para desempenhar um papel ainda maior na narrativa da Dior. Apoiada por uma das marcas mais poderosas da moda, as possibilidades são infinitas. Fonte: Artnet News |