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A VERDADEIRA MUDANÇA ACABA DE COMEÇAR | UMA ENTREVISTA COM O GALERISTA ZIMBABUEANO JIMMY SARUCHERA PELA CURADORA INDEPENDENTE INÊS VALLE INÊS VALLE2015-10-31
Quer queiramos ou não, a enorme curiosidade sobre África ainda é levada por preconceitos errados, exotismo e paternalismo, que diminuem o reconhecimento da qualidade, diversidade e inovação dentro do continente. África continua a olhar para o Norte para encontrar legitimidade e validade, mas a verdade é que temos de olhar para um diálogo multidirecional, algo que ainda é muito fraco. Além disso, usando ideias de Marx, Brecht e de Maiakovsky, de que “a arte não é um espelho para nos agarrarmos à realidade, mas um martelo com o qual moldá-la”, se África realmente quer levar a uma mudança cultural, mudar mentalidades e educar pessoas, tem que valorizar as suas raízes e começar a financiar o seu desenvolvimento cultural. Também tem de parar de produzir cegamente para assegurar um lugar ilusório de influência que é, sem dúvida, projetado pelo capitalismo ocidental que valoriza a manipulação do outro para manter o poder para si mesmo.
Jimmy Saruchera (JS): A cultura material de hoje é tão atraente e convincente que pode ser difícil ver qual é o nosso verdadeiro estado como humanidade. Estamos num mundo que precisa de cura, cura dos relacionamentos humanos, cura da nossa ecologia, e também cura física, já que nós, como espécie, nos temos desviado da natureza. Há cada vez mais uma reapreciação do que é tradicional, do que é natural e do proteger do nosso meio ambiente, mas isso ainda não é o corrente. “Trepanation”, de Masimba Hwati, mostra um crânio de babuíno com um furo, fazendo referência à fontanela de uma criança recém-nascida ou à abertura suave do crânio. Diz-se que esta abertura aumenta a sensibilidade de uma criança ao reino espiritual, sentindo rapidamente se uma pessoa nas proximidades é boa ou ruim, provocando um riso ou lágrimas em conformidade. O uso de mbira, ou teclas de piano africano usadas em cerimónias tradicionais, em combinação com o crânio trepanado referência a inocência do recém-nascido, de um modo de vida tradicional contra o movimento do tempo e da modernidade representada pelo skate e pelas rodas. Porque ainda estamos a aproximar-nos do resto do mundo, a África tem a oportunidade de fazer a nossa revolução industrial de forma ecologicamente sustentável, para incentivar o consumo que é natural e bom para nós, para construir sistemas sociais fundamentados nas socialmente (Ubuntu) orientadas estruturas sociais que se movem longe do egoísmo individual.
IV: Três anos atrás testemunhámos a abertura da 1:54 em Londres, e desde então tem sido realizada anualmente ali e em Nova Iorque. No entanto, até agora não teve lugar em qualquer cidade africana. Acredita que isto pode estar ligado à falta de apoio à cultura nos países africanos? [Quais são os seus pensamentos sobre isso?] JS: As feiras de arte por natureza são comerciais, e lugares como Londres, Nova Iorque ou Miami são (pelo menos do ponto de vista financeiro) capitais artísticas onde há uma densidade de capital e de uma cultura de gastos com a arte. No entanto, em termos de consumo de arte, ‘coleccionar arte’ assume uma forma diferente em algumas partes de África, pode ser subconsciente pois está profundamente infundido em regulares momentos-chave da vida. Expressa-se amplamente na sociedade através não apenas de roupas, mas também de objectos cerimoniais, escarificação, utensílios tradicionais e troca cultural de presentes. Assim, em muitos aspectos, o coleccionismo na sua forma ocidental em África é relativamente limitado, mas à medida que as economias africanas crescem e mais pessoas têm rendimentos elevados, a comunidade de coleccionadores africanos no sentido ocidental vai continuar a crescer. Eu não estou a par dos seus planos futuros e pode ser que a 1:54 tenha planos para sediar uma edição em África, o que seria óptimo. Em geral, eu acho que foi uma decisão sensata começar por activar as bases dos coleccionadores nos principais mercados de arte/financeiros para alimentar o interesse no mercado. Agora que a arte contemporânea africana está firmemente no radar globalmente e os coleccionadores são muito móveis, não podemos credivelmente continuar a ter a maioria das grandes conversas sobre arte, feiras e exposições sobre africanos e as suas vidas fora de África. Desenvolver exposições, feiras e bienais em África abre a possibilidade de coleccionadores terem uma experiência cultural alternativa que é um avanço no formato dos stands, palestras, instalações e recepções que já encontra em feiras europeias ou americanas de arte. Como as feiras podem permitir a experimentação de elementos da cultura africana através da arte que são importantes para a humanidade, como a harmonia ecológica, a harmonia social onde as pessoas saem com mais do que obras de arte, uma parte da vida que lhes acrescenta algo como pessoas, isso para mim é uma perspectiva excitante. A riqueza de África também precisa de vir à festa e ajudar a deixar um legado artístico africano duradouro que permanece muito tempo depois de os recursos e do consumismo desparecerem. Ajuda a fazer crescer a base de coleccionadores africanos se eles não tiverem de viajar para a Europa ou para os EUA para experimentar e comprar o trabalho dos melhores artistas africanos. A melhor arte africana e pensamento africano precisam ser encontrados, mostrados, expressos, arquivados, negociados e falados em África. A África do Sul está a fazer algum progresso a este respeito, mas é nos países que estão menos expostos e menos desenvolvidos que oferecem a maior oportunidade para a descoberta e invenção.
IV: O aumento das Plataformas de Arte Africana [Galerias, residências artísticas, bienais, feiras de arte], bem como a especialização nas artes dentro do continente é inquestionável. De que maneira é que essas múltiplas camadas de plataformas estão a educar o interesse dos coleccionadores de arte local em adquirir arte contemporânea fora do âmbito dos media clássicos, tais como vídeo-arte, fotografia, arte sonora ou até mesmo a instalação? JS: Dos media não-clássicos, a fotografia está certamente a ganhar impulso por causa de seu imediatismo, tanto em termos de angariar uma reação como da sua capacidade de ser exibida com relativamente menos problemas. Mas mesmo ela ainda tem um longo caminho a percorrer. Para outros media, como a arte sonora e a vídeo arte, ganharem força em África, acho que precisam ser levados para fora do ambiente da galeria ou do museu e colocadas no ambiente móvel onde as pessoas estão. Isso implica modificar o modelo de coleccionismo, onde os modelos comerciais alternativos mais adequados para o consumo de conteúdo móvel vêm à tona. A responsabilidade recai sobre essas novas plataformas de arte em África em olharem profundamente para dentro das suas culturas e sociedades e inovar os media eles próprios para tornar a arte mais relevante para as suas comunidades.
IV: Este foi o terceiro ano em que o Zimbabué participou na Bienal de Veneza, este último com obras de Gareth Nyandoro, Masimba Hwati e Chokonzero Chazunguza. Quais são os resultados reais dessas participações para a cena de arte contemporânea do Zimbabué, a nível nacional e internacional? JS: O trabalho desses artistas na Bienal de Veneza criticamente foi incrivelmente bem recebido. O resultado mais importante dessas participações é o que eu chamo anti-excepcionalismo. Se aquilo a que estamos expostos é apenas o que está imediatamente à nossa volta, podemos facilmente nos convencer de que somos excepcionais. Mas se testarmos o nosso talento na plataforma mais importante do mundo e sairmos bem, então temos uma medida mais confiável do que é excepcional. O impacto disso é fenomenal, define a fasquia em termos de qualidade para os muitos artistas que competem uns com os outros no Zimbabué, criando um efeito cascata em toda a largura da comunidade artística, desde a educação, o valor da arte e o interesse na nossa cultura. A sociedade é muito mais rica por isso, especialmente quando como país um se torna participante consistente e regular em plataformas do calibre de Veneza; tem um lugar na mesa e é parte da conversa. O maior impacto a longo prazo é se o modelo do que faz o Zimbabué em Veneza com a arte, for transferido para a indústria, onde os projetos ou produtos exclusivamente africanos baseados em sistemas de conhecimento indígenas que a maioria do mundo não conhece, são forçados a regularmente e sistematicamente competir a sério com os melhores do mundo. Isso teria um efeito transformador não só sobre África, mas sobre o que o mundo come, bebe, quão saudável somos, como vivemos com a natureza, no que nos apoiamos, quais os materiais que usamos nos nossos dispositivos móveis e na consciência espiritual. Quando se tem um lugar na mesa de valor pode-se expressar por si mesmo como acontece com a arte. Mas noutras indústrias são outras pessoas que falam pelas comunidades africanas onde minerais raros para os nossos telemóveis são extraídos, pelas sociedades antigas de caçadores-colectores onde os remédios anti-envelhecimento têm sido comercializados sem eles, uma situação só ajudada por simpatizantes externos que chegam e falam por eles. Precisamos de mecanismos e instituições que permitam que isso aconteça a partir de África.
IV: O artigo 20 da Constituição do Zimbabué garante que a população tem a proteção da liberdade de expressão. No entanto, George Ayittey conselheiro do governo Obama, empenhado em forjar um novo caminho para África, ainda considera o Zimbabué como um regime despótico e coloca Robert Mugabe [no poder há mais de 29 anos] junto com Kim Jong II, Than Shwe ou Blaise Compaoré, na lista dos líderes mais odiosos e desprezíveis. Tomando a arte como uma plataforma de liberdade, como é que os artistas lidam com esta situação político-social contínua? Quais são as grandes questões que vê sendo retratadas pela geração mais jovem do Zimbabué? JS: Ironicamente, o caso mais reconhecido de uma tentativa de proibir uma exposição de arte que pode ser interpretada como crítica a Mugabe, teve lugar durante o que é conhecido como o governo inclusivo em 2010, uma coalizão entre Mugabe e o seu maior rival da oposição. Foi uma exposição na Bulawayo National Gallery, no entanto, a exposição não foi retirada por vários anos, enquanto a batalha se alastrou em tribunal. Fora deste, e agradeço ser informado de outro, eu não tenho visto muitos exemplos de intervenção governamental evidente na expressão da arte visual. O jornal estatal tem provavelmente as mais extensas críticas de arte localmente, portanto, há mais questões prementes do que liberdade de expressão para os artistas visuais no Zimbabué, a encabeçar aquelas “pão e manteiga”, relacionadas com a sobrevivência dia a dia. 2015 é coloquialmente conhecido como "Gore reDzidzo" ou "o ano de aprendizagem". Os graduados tornaram-se taxistas ilegais, carnívoros tornaram-se vegetarianos ou advogados tornaram-se agricultores, tudo em nome da sobrevivência. As artes visuais não foram poupadas das "lições" deste momento definidor na história do país. Pintores experientes, que normalmente estariam a agonizar sobre que tela usar, se deviam usar óleo ou acrílico, tiveram em muitos casos que esquecer a própria noção de pintura e abraçar o facto de que são primeiro artistas. Tiveram que olhar para outros meios de expressão artística. Felizmente, o Zimbabué possui um rico património escultórico, o que significa que muitos artistas aprendem desde cedo a trabalhar com objetos 3D, por isso muitos pintores se tornaram escultores ou praticantes de ‘mixed media’, dando impulso a um movimento conhecido como a energia de objetos - A energia imbuída de objectos encontrados ou pesquisados, artefactos naturais e sintéticos, material, assemblado, reaproveitado e elevado a uma maior existência no auge da originalidade. O país está num momento de definição, onde o potencial criativo humano foi maximizado não através da abundância, mas através da escassez e do minimalismo forçado. Os tempos económicos difíceis também vieram ao mesmo tempo que a explosão da tecnologia móvel, e com isso um maior acesso às culturas de fora, às vezes de uma forma positiva, mas também em formas que marginalizam as tradições e os valores locais. Os artistas mais jovens expressam muitos desses tumultos do dia-a-dia no seu trabalho. Por exemplo Johnson Zuze, as suas obras falam da verdade surpreendente de agora e das aspirações de um futuro livre de guetos. Wallen Mapondera usa uma mente ecologicamente sensível para falar da oligarquia humana. Masimba Hwati é um antropólogo, historiador e terapeuta através de um trabalho que combina os antigos valores tradicionais africanos e o simbolismo, trazendo-os ao contemporâneo. Option Nyahunzvi é um intérprete da batalha pela influência das jovens mentes urbanas entre a importada cultura da moda e o que é tradicional. Adam Madebe, que também estamos a mostrar, é da geração anterior que ajudou a difundir a actual geração de escultores.
IV: Quais são as distinções entre a arte contemporânea do Zimbabué e a de outras partes do continente? JS: Às vezes, para criar algo original, é preciso ser-se um mesmo. A história do Zimbabué, pré e pós independência, é marcada por dois períodos distintos de isolamento. O primeiro isolamento veio de sanções que se seguiram à Declaração da Independência Unilateral da Rodésia do Sul do Reino Unido em 1965, que instituiu um sistema de apartheid de governação. Isto viu artistas mudar de media comuns, tais como a pintura, para os acessíveis recursos de pedra do país, proporcionando-lhes um medium atraente, que rapidamente ganhou atenção internacional e oportunidades de exposição não menos importantes em Londres, em meados dos anos 1960, e no Museu Rodin, Paris, em 1972. Em tempos mais recentes, os desafios económicos e o isolamento viu graduados tornarem-se taxistas e advogados tornarem-se agricultores em nome da sobrevivência. Da mesma forma, artistas desprovidos de materiais convencionais tornaram-se aventureiros com os materiais, gerando o movimento de arte actual chamado de energia de objetos. A escassez crónica pode ser debilitante, mas se se puder encontrar uma maneira de abordar isso, é um combustível explosivamente poderoso para a inventividade. Dito isto, acho que se encontram muitos praticantes excepcionais da energia de objetos através de África: Romauld Hazoumé, Zak Ove e El Anatsui são grandes exemplos.
IV: Tem-se falado durante muitos anos de um Renascimento Africano, o que significa isso para si? JS: De quem é esse renascimento? Um que pertence a África ou um renascimento do ponto de vista dos investidores em África? Um aumento do PIB e dos rendimentos disponíveis, que é o caso num número de países africanos, em geral é uma coisa boa, mas isso não é renascimento. O aumento do interesse mundial em arte contemporânea e moderna africana é positivo, mas isso também não é renascimento. Quando as sensibilidades da arte e do pensamento africanos permearem e moldarem os programas educacionais mais importantes, estruturas arquitectónicas, cuidados de saúde, design industrial e de produto de massas, políticas governamentais, então temos renascimento. Quando alfabetos indígenas forem ensinados amplamente e considerados centrais para a alfabetização e o ser 'educado', como é o caso em sociedades como o Japão e a China, quando os abundantes e nutritivos ‘super alimentos’ africanos forem melhor apreciados pela elite e as massas do continente, isso para mim soa a um renascimento africano muito mais interessante, o Novo Renascimento Africano que adiciona fundamentalmente, que torna o mundo como um todo mais rico.
IV: Conte-nos sobre KooVha, porquê um "movimento de ideias"? JS: O sítio onde operamos é um ambiente onde as necessidades fisiológicas são grandes, a arte necessita de significar mais para que seja relevante e nós sentimos que muitos dos deficits na nossa sociedade podem ser resolvidos quando se deixa artistas pensar neles. Fala-se de um Renascimento Africano, e as cidades africanas estão a crescer mais rapidamente do que em qualquer outro lugar do mundo, mas enquanto as cidades ficam maiores, e em alguns casos mais ricas, esse crescimento em termos de arquitectura, de qualidade de vida urbana e de espaços públicos, tem pouca sustentação artística - um renascimento sem arte. É sem dúvida um renascimento da perspectiva dos gestores de fundos e empresas à procura de mercados consumidores. Por isso, a nossa galeria tem estado envolvida em tudo, desde trabalhar com planeadores urbanos do nosso concelho sobre congestionamento, até mesmo na fabricação de cerveja e cidra que usa bagas selvagens africanas, vagens selvagens e outra flora indígena, para criar oportunidades de fundo para tudo, desde colectores até carregadores, biólogos alimentares e transportadores. Actualmente, estou a projetar juntamente com um engenheiro um veículo especial inspirado no contexto da África urbana e das sensibilidades africanas, que pode ser usado como um café, galeria ou loja. Criámos um laboratório de inovação com a excelente escola de design ZIVA (Zimbabwe Institut of Digital Arts) onde, entre outras coisas, estamos a trabalhar para trazer à vida as narrativas imbuídas em várias gerações da escultura zimbabueana usando animação. O nosso movimento está prestes a acolher colaboração das melhores mentes criativas, estejam elas dentro ou fora do mundo da arte.
Inês Valle Curadora independente e escritora sobre arte. É bacharel em Artes Visuais e possui um mestrado em Estudos Curatoriais ambos pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, tendo desenvolvido a sua tese sobre “Contemporary Engaging Aboriginal Art”. Recentemente foi aceite no mestrado em Políticas Globais na Goldsmiths University, em Londres. Trabalha como consultora de curadoria na TAFETA, instituição de arte especializada em arte africana moderna e contemporânea com base no Reino Unido. Tem colaborado com vários artistas, curadores e principais instituições de arte em todo o mundo.
Nota: Este artigo faz parte de uma série de entrevistas “Pensando no Sul Global”, conduzidas pela curadora independente Inês Valle. [ www.inesvalle.com ] ® Todos os direitos reservados a Inês Valle
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